CaixaForum Madrid nos invita hasta el próximo 21 de febrero a la exposición Annah Collins. Historia en curso. Películas y Fotografías. Esta ambiciosa muestra reúne por primera vez tres films en pantalla múltiple de Hannah Collins y una serie de fotografías relacionadas. Collins se dio a conocer en la escena internacional como artista pionera en el género de la fotografía, trabajando a escala monumental e íntima al mismo tiempo. Pese a la amplitud de sus temas, sus preocupaciones se mantienen constantes: la fugacidad de la vida moderna, la interrelación entre memoria e historia, y la voluntad de expresar estas experiencias intangibles a través de las imágenes.

El carácter épico y sin embargo tierno de las fotografías panorámicas de Collins también se evidencia en sus films. La Mina, Paralelo e Historia en curso (un encargo de Fundación ”la Caixa”) son exploraciones ricas y complejas del poder de la localización. Estos films y estas fotografías, que reúnen trabajos creados en España, Francia, Inglaterra, Italia, Turquía y Suráfrica, se combinan de varias formas para plantear una de las preguntas cruciales de nuestro tiempo: ¿Qué significa hogar en un mundo dominado por fuerzas impredecibles?.

El arte de Hannah Collins, poético y al mismo tiempo político, responde a nuestra necesidad de formas de expresión que puedan ser privadas y públicas. Se trata de un arte con un impulso realista para describir las complejidades del mundo tal y como es, pero deseando también uno mejor.

La fundación ArtAids presenta, a partir del 1 de diciembre, “Mirando desde afuera”. Una exposición en la que participan veinte artistas de Barcelona -o con una vinculación muy especial- en diferentes espacios de la ciudad. El proyecto reflexiona sobre las sensaciones que experimentan las personas que viven con el VIH y tiene como objetivo concienciar de la necesidad de la prevención y obtener financiación para el proyecto de los Doctores Clotet y Gatell dedicado a la investigación de una vacuna (terapéutica y preventiva) a través del programa HIVACAT.

El comisario de la exposición, Miquel Bardagil, la concibe como la culminación de un proceso iniciado en 2008. La mayor parte de los artistas que participan en el proyecto no habían trabajado previamente el tema del sida de una manera significativa. El concepto de exterior, el “afuera” del título, está asociado a la idea de intemperie. Es el punto de partida de esta exposición para acercarnos a la experiencia del enfermo, y es el concepto que estructura la exposición, y el trabajo de los artistas, desde disciplinas como la instalación, la fotografía, el dibujo, la pintura o el vídeo. Para ello, cada artista ha dispuesto de un presupuesto en concepto de producción y honorarios para realizar su pieza, que posteriormente cederá a ArtAids.

Espacios

En Nivell Zero- Fundació Suñol acogerá la obra de Biel Campllonch “Where the clouds are behind me”, imagen de la muestra, donde se sugiere la posibilidad de una relación equilibrada entre el ser humano y su entorno; “Lebenswelt”, de Francesc Abad, una instalación que nos invita a mirar una casa en ruinas como símbolo del cuerpo; el compendio de titulares referentes al sida publicados durante casi un año en un diario titulado “Línea roja” de Ignasi Aballí; el vídeo de Josep-Maria Martín, “El jardinero astrónomo”, que explora las relaciones personales a través de entrevistas; y el trabajo de las gemelas L.A. Raeven ante una persona que ha visto radicalmente transformada su apariencia física titulada “Dead Man Walking”.

En La Casa Elizalde se presentará la obra de Roger Bernat, “Vosotros”, donde se plantea la relación entre experiencia, representación y discurso; Forbidden Places (Framis for men) de Alicia Framis, una acción sobre la cuestión del género; los dibujos de Javier Peñafiel “Víctimas del diagnóstico” y la obra digital “Plasma” de Santiago Ortiz, quien ha explorado la presencia del sida en diferentes ámbitos. En el mismo espacio también se podrán ver las series de fotografías “Nada se parece a lo esperado y mientras descargamos nuestra impaciencia”, de Job Ramos, en las que nos habla de las frustraciones y del dolor; “La vida podría ser esto (Ahora resulta que soy un héroe)” de Iñaki Álvarez, que retratan el heroísmo cotidiano por el hecho de vivir con la amenaza del VIH; y “Lab. 50”, de Pep Dardanyà, en las que retrata su viaje hasta Kisangani (Congo) para ofrecer un exvoto.

Los vídeos “Carne Viva” de Jean-Charles Hue, con historias de la vida cotidiana en Tijuana (Méjico), y “Visión 3”, de Marina Núñez, se presentarán en el Espai Ubú junto a “dar T”, fotografías de un grupo de mujeres marroquíes trabajadoras del sexo realizadas por Ana Marín.

Completarán la muestra el homenaje de Erich Weiss a Keith Haring, “Nothing has changed”, en el MACBA; el vídeo sobre el silencio de los afectados por la enfermedad “La Cita” de Cova Macías en el Hospital del Mar; y el cactus como testimonio del “Rte. Sanatorio de los Cocos de Cuba” de Núria Güell en Arts Santa Mònica. En la Virreina, Jordi Canudas ofrecerá un espacio de participación con “Màcula. La vida en blanco”, una gran mesa donde escribir y borrar. Paralelamente, en Casa Asia se expondrá “More to Love”, una muestra de veinte artistas tailandeses y europeos que ArtAids presentó en verano de 2008 en Bangkok y Chiang Mai (Tailandia).

Paralelamente a ‘Mirando desde Afuera’ también se desarrollarán los Talleres Educativos en La Casa Elizalde y el Proyecto Educativo en el Barrio de la Mina. En la Casa Àsia se expondrá ‘More to Love’. Una muestra de 20 artistas tailandeses y europeos que ArtAids presentó en verano de 2008 en Bangkok y

El 27 de diciembre de 1831, con tan solo 22 años, Darwin zarpó en el Beagle. Poco tiempo después, en su autobiografía, reconocería este acontecimiento como el más relevante de toda su vida y de su carrera profesional.

El viaje es el hilo conductor de esta muestra, centrada en tres momentos: «Preparación del viaje», «Ruta, descripciones y observaciones de Darwin» y «Retorno a la metrópoli y publicación de ‘El origen de las especies’».

A través de esta exposición, el público podrá realizar un recorrido por los distintos lugares que Darwin visitó y conocer así la diversidad de ejemplares que captaron especialmente su interés. En ella se exhiben percebes de su colección, una carta escrita por él, ejemplares de mamíferos y aves, la mandíbula de un mastodonte hallado en Polinyà, un ornitorrinco y los restos fósiles de un armadillo gigante, entre otras muestras.

Todos los textos descriptivos de las piezas exhibidas han sido extraídos de su libro “El viaje del Beagle”.

La muestra, organizada con motivo de la celebraciónde los 150 años de la publicación de “El origen de las especies”, podrá verse en CosmoCaixa Barcelona hasta noviembre de 2010.

Como actividad paralela, CosmoCaixa ha organizado el taller “Darwin viajero”, que tendrá lugar los fines de semana y festivos, a las 17.00 h. En él, las familias con niños mayores de 6 años descubrirán la capacidad de Darwin para recoger, observar y anotar todo lo que tenía valor para la historia natural. Además, mediante juegos, conocerán su teoría de la evolución.

Dia 10: Zombies, mercenarios puritanos y accidentes provocados

Aparte de los zombies que participaron en la segunda edición de la ‘Zombie Walk’, paseo de no muertos que tuvo lugar la tarde del sábado por las calles de Sitges y que repitió el éxito de la primera convocatoria del año pasado, la pantalla del Auditori también ha tenido una presencia destacada de zombies en esta penúltima jornada de Festival des de primeras horas de la mañana.

Y no son pocos los que aparecen en ‘Zombieland’, la primera y desternillante película de Ruben Fleischer, una comedia bastante descabellada de zombies al estilo de la inglesa ‘Shaun of the dead’ pero a la americana, donde una plaga de zombies castiga el país y nos encontramos con cuatro variopintos supervivientes, formados por un duro Woody Harrelson, un ‘nerd’ que interpreta Jesse Eisenberg y dos hermanas bastante cabronas, Emma Stone y Abigail Breslin (la niña de ‘Little Miss Sunshine’). Juntos atraviesan el país luchando contra zombies sedientos de carne fresca siguiendo unas reglas de los más curiosas hasta llegar a un parque de atracciones de Los Angeles. Una road movie pasada de rosca con un genial homenaje a una película de los 80 que no desvelaremos aquí y algun que otro cameo especial. La película se estrenó hace un par de semanas en EEUU y ya ha sido un gran éxito de taquilla. Es de preveer que pasará lo mismo cuando se estrene aquí las próximas navidades.

Trailer Zombieland:

Antes de enfrentarnos de nuevo otra vez a zombies sueltos y sangrientos, tuvimos la ocasión de ver ‘Solomon Kane’, a quien los fans de todo lo relacionado con la espada y brujería conocerán muy bien porque es una personaje creado por Robert E. Howard, autor de ‘Conan el bárbaro’, y que este 2009 ha adaptado al cine Michael J. Basset, que hace unos años presentó en el Festival ‘Deathwatch’, una película de hombres lobo protagonizada por Jamie Bell (‘Billy Elliot’). Pues bien, Solomon, interpretado por James Purefoy (el Marco Antonio de la serie ‘Roma’ de la HBO), es un torturado mercenario puritano del siglo XVI, que, enfundado en negro riguroso, busca la redención antes de que su alma sea poseída por el mismísimo diablo. Un torturado y sombrío personaje al que estos motivos obligan a volver a las armas y a luchar contra el mal. La película coge como referentes varios cuentos sobre el personaje de Howard, y los combina para a su vez homenajear a las películas de brujería de los 80, creando una epopeya fantástica muy digna para los tiempos que corren, más cercana a ‘Conan’ que a bodrios más actuales tipo ‘Dragones y mazmorras’. Quizás le sobran algunos trucajes por ordenador, de los cuales procuran no abusar demasiado, pero los fans del género no saldrán decepcionados.

Trailer Solomon Kane:

Y de nuevo llegan los zombies a l’Auditori, en este caso zombies franceses y menos divertidos que los de ‘Zombieland’. Son los de ‘La Horde’, la película francesa rompedora del año que llega puntual a la su cita con Sitges, como viene siendo habitual en los últimos años. Si en la edición pasada fue el turno de la decepcionante ‘Martyrs’, y hace un par de años le tocó a la perturbada y violenta ‘A l’interieur’, este año es el turno de ‘La Horde’.

Aquí nos encontramos con un cóctel explosivo y adrenalínico que mezcla el cine negro, la acción y el terror, donde cuatro policías no muy ejemplares se preparan para vengar la muerte de unos de sus compañeros a manos de unos delincuentes sin escrúpulos que se esconden en un ruinoso edificio de las afueras de Paris donde de repente son atacados por una horda de zombies rabiosos que hará que se tengan que poner todos en el mismo bando para hacer frente a tal plaga y salir vivos. La película la han dirigido dos directores noveles, Yannick Dahan y Benjamin Rocher, que se confiesan auténticos fans del género de terror al cual querían añadir elementos de cine policíaco y de bandas homenajeando a la mítica película de John Carpenter ‘Asalto a la comisaría del distrito número 13’. ‘La Horde’ confirma una vez más que Francia está haciendo un gran trabajo para resucitar el cine de género. Y que sigan así.

Trailer La Horde:

El sábado se cierra con una película con bastante menos adrenalina que las tres que hemos visto durante el día de hoy. Se trata del debut en la gran pantalla del australiano Andrew Lancaster, ‘Accidents Happen’, que nos presenta a una familia desestructurada con una madre y un padre divorciados después de un mortal accidente que acaba con la vida de su hija, y las graves secuelas que dejan a uno de los tres hermanos restantes. El pequeño de ellos, Billy Conway, que tiene una facilidad increíble para provocar accidentes por allá donde pasa lleva el peso de esta película –poco- fantástica situada entre la comedia surrealista y el drama familiar con una factura impecable y visualmente perfecta. Una auténtica sorpresa con la participación de una genial Geena Davies en el papel de madre con un carácter bastante particular. Una de las películas más sentidas del festival.

Trailer Accidents Happen:

Día 11: Dos en la carretera

Último día de festival. Después de 11 días viendo películas sin parar, llega el momento de decir adiós al mejor festival de cine del país en esta jornada de clausura que ha tenido como gran protagonista el esperado estreno de la adaptación de la novela de Cormac McCarthy ganadora del Pulitzer ‘The Road’, llevada al cine por el director del western ‘The Proposition’ John Hillcoat y que está a la altura de las grandes expectativas que había creado. Una adaptación dicen –no he leído el libro- bastante fiel, menos explícita pero igual de dura y conmovedora, que nos traslada a un mundo apocalíptico en runas, donde no hay comida y donde los pocos seres que pululan en él se han convertido muchos de ellos en caníbales, ya que la comida escasea. En medio de este panorama es donde se encuentran un padre y un hijo, interpretados respectivamente por un genial Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee que nos deja boquiabiertos en la piel del hijo de Aragorn. Según explicaron Mortensen y Hillcoat en la rueda de prensa, el rodaje tuvo lugar en duras condiciones en diversos lugares de Estados Unidos, y eso se nota, porque las imágenes que presenta la película son realmente espectaculares. Una de las mejores películas no del festival sino del año.

Trailer The Road:

Y esto llega a su fin. Hasta aquí las crónicas de la edición 42 del Festival de Sitges, que, como siempre, nos ha traído de todo, muchas buenas películas, muchas películas de relleno, muchas prisas y sobre todo, mucho cine. Con ganas de que llegue la edición 43. Un año pasa rápido.

Palmarés

JURADO

Neil Marshall, Amanda Plummer, Tuomas Riskala, John Saxon y Jordi Battle Caminal

Mejor Cortometraje

One of those days de Hattie Dalton

Mención Especial

The boy who wouldn’t kill de Linus de Paoli

Mejor Diseño de Producción – Patrocinado por el Parc Audiovisual de Catalunya

Tony Noble por Moon

Mejores Efectos de Maquillaje

Kaatje Van Damme por Mr. Nobody

Mejores Efectos Especiales

C.O.R.E. Digital Pictures, Mac Guff, BUF por Splice

Mejor Banda Sonora Original

Teresa Barrozo por Kinatay

Mejor Fotografía

Benoit Debie por Enter the Void

Mejor Guión

Nathan Parker, basado en la historia original de Duncan Jones, por Moon

Mejor Actriz

Ex-aequo: Elena Anaya por Hierro y Kim Ok-vin por Thirst

Mejor Actor

Sam Rockwell por Moon

Mejor Director

Brillante Mendoza por Kinatay

Premio Especial del Jurado

Enter the Void de Gaspar Noé

Mejor Película

Moon de Duncan Jones

JURADO CARNET JOVE

Arnau Vilaró, Sergi Fabregat, Arantza Marichalar, Joan Sala y Isabel Salvador

Mejor Película FANTÀSTIC

Ex-aequo: Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos y Les derniers jours du monde d’Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu

Mejor Película MIDNIGHT X-TREME

Wasting Away de Matthew Kohnen

NOVES VISIONS

JURADO

Stephanie Billeter, Marc Helwig y Pedro Usabiaga

Mejor Película – Patrocinado por SEAT

Deliver us from Evil de Ole Bornedal

Mención Especial

Van Diemen’s Land de Jonathan auf der Heide

Diploma Película No Ficción

Best Worst Movie de Michael Paul Stephenson

Diploma Película Discovery

Amer d’Hélène Cattet y Bruno Forzani

PREMIO NOVA AUTORIA SGAE – INSTITUT BUÑUEL

JURADO

Roser Aguilar, Lluís Bonet Mojica, Albert Solé y Joan Valent

Mejor Dirección

Swingers de Javier Rodríguez Espinosa, presentado por el ESCAC-Escándalo Films

Mejor Guión

44987373-V de Robert Ors Griera, presentado por el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)

Mejor Música Original

The last drag de Gonçal Perales Roy, presentado por el Centre d’Estudis de Tècniques d’Animació de Catalunya · 9 ZEROS

MENCIÓN ESPECIAL por la calidad general del trabajo

Pin up de Tania Verduzco, presentado por el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC)

ORIENT EXPRESS – CASA ÀSIA

JURADO

Fausto Fernández, Luis M. Rosales y Marc Walkow

Mejor Película

Ip Man de Yip Wai-shun

ANIMA’T – Premio Gertie

JURADO

Fausto Fernández, Luis M. Rosales y Marc Walkow

Mejor Largometraje de Animación

Summer Wars de Mamoru Hosoda

Mejor Cortometraje de Animación

Le petit dragon de Bruno Collet

Mejor Largometraje de Animación para Niños

Panique au village de Stéphane Aubier y Vincent Patar

MÉLIÈS DE PLATA

JURADO

Tim League, Toni Messa y Antje Nikkola Mönning

Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea

The Eclipse de Conor McPherson

Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo

One of those days de Hattie Dalton

MÉLIÈS DE ORO

Méliès de Oro a la Mejor Película Europea

Martyrs de Pascal Laugier

Méliès de Oro al Mejor Cortometraje

Cold and Dry de Kristoffer Joner, codirigido y producido por Bjørn Arne Odden

Gran Premio del Público El Periódico de Catalunya

Mejor Película

Zombieland de Ruben Fleischer

PREMIOS DE LA CRÍTICA

JURADO

Desirée de Fez, Imma Merino y Eulàlia Iglesias

Premio de la Crítica Jose Luis Guarner

Les derniers jours du monde d’Arnaud Larrieu y Jean-Marie Larrieu

Premio Citizen Kane al director/a revelación

Dogtooth (Canino) de Yorgos Lanthimos

BRIGADOON Paul Naschy

JURADO

Domingo López Tortosa, Diego López Fernández y José Martos Arroyo

Mejor cortometraje

Torbellino de hostias d’Adrián Cardona

Premio Ben & Jerry’s

[REC]2 de Jaume Balagueró y Paco Plaza

El Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid presenta hasta el próximo 15 de noviembre la exposición “Alvar Aalto. A nuestra medida”, con la que rinde homenaje a la faceta de diseñador de este arquitecto finlandés, reúne una cuidada selección de piezas procedentes del Alvar Aalto Museum (Jyväskylä, Finlandia), entre las que se pueden contemplar tanto mobiliario como objetos de iluminación, tejidos y piezas de cristal. Con ellas se muestra la evolución de los diseños de Aalto, desde una formación clasicista en los años veinte, hacia un funcionalismo en la fabricación de muebles.

La exposición cuenta con un total de veintiocho piezas, procedentes del Museo Alvar Aalto (Jyväskylä, Finlandia), y de la colección del Museo Nacional de Artes Decorativas. Está comisariada por María Villalba Salvador (profesora de la Universidad Autónoma de Madrid) y plantea un recorrido cronológico a través de la obra de Alvar Aalto como diseñador para mostrar su deseo constante de adecuarse a las necesidades del hombre siempre en relación con su arquitectura.

Para ello se presentan tres etapas de su producción:

“Los primeros años: el laboratorio de la madera”

Sus inicios parten de una formación clasicista que, en los años veinte, en contacto con los arquitectos de la vanguardia europea, evolucionó hacia el funcionalismo en la fabricación de muebles destinados a edificios específicos. Optó por la madera como materia primordial e investigó sobre su comportamiento, logrando métodos revolucionarios de curvado y ensambladura en la transición de los años veinte y treinta.

El sillón Paimio, para la decoración del interior del Sanatorio antituberculoso del mismo nombre, y el taburete para la Biblioteca de Viipuri, son piezas emblemáticas de este período que sintetizan su pensamiento en relación con el hombre, centro y medida de sus proyectos.

“Arte y técnica: el diseño industrial”

El establecimiento de la firma ARTEK en 1935 posibilitó la producción y distribución de sus diseños. La aportación fundamental de Alvar Aalto en relación con la industria fue la del principio de estandarización o fabricación flexible, con el que consiguió soluciones distintas y variadas mediante esquemas de trabajo muy similares, que aplicó al mobiliario de madera y a otras piezas de diseño, como las lámparas o el cristal. De ello son ejemplo los numerosos diseños de los años cuarenta y comienzos de los cincuenta, como la famosa lámpara “Hand Grenade” y los muebles basados en el sistema “Y Leg” y “X Leg”.

“Versatilidad y síntesis perfecta entre arte y arquitectura”

Las piezas diseñadas por Alvar Aalto están pensadas para utilizar en distintos contextos, bien sean edificios oficiales o institucionales, o bien recintos privados. Así ocurre con la silla de madera y piel diseñada en plenos años cincuenta y utilizada en la oficina central del Instituto Nacional de Pensiones y en el interior de un edificio de viviendas proyectado por Aalto en Hansaviertel, 1955-1957 (Berlín, Alemania). La lámpara “Bilberry” para la Maison Carré y los tejidos son ejemplo de cómo Aalto en estos años alcanza la meta en cuanto a su objetivo de lograr una vida armoniosa, cómoda y plena desde el punto de vista estético para sus contemporáneos.

La exposición es un anticipo de las actividades que habran en noviembre, mes dedicado al diseño finlandés. La muestra del Matadero de Madrid será una radiografía de todas las generaciones de diseñadores finlandeses, desde Eero Aarnio hasta los más jóvenes, como el dúo Company o Ilkka Suppanen. También tiene un hueco para mostrar la potencia de sus empresas (Marimekko, Ittala o Nokia). Algunos de los que han sido Diseñadores del año en Finlandia (2008), como Tuuli Mattelmäki (industrial) y Anssi Tuupainen (moda) serán los protagonistas de las actividades en el IED de Madrid.

La exposición en CaixaForum Madrid, hasta el  17 de enero del 2010 , presenta 200 obras originales, de 80 museos y colecciones de toda Europa. La muestra nos descubre la vida de Andrea Palladio, desde sus inicios como cantero  hasta convertirse en uno de los arquitectos más famosos del mundo,  con la convicción ” de que la arquitectura puede mejorar el mundo que nos rodea”.

La exposicion te hará viajar en el tiempo, a través  de varias pinturas de grandes maestros de la escuela veneciana como Tiziano,  Veronés y  El Greco (de quien se exhibe el que se considera un retrato de Palladio)  con el fin de conocer a sus mecenas, amigos y también a sus rivales.  Canaletto y Zucarelli,  nos muestran sus edificios, obras para grandes colecciones Inglesas que admiraban a Palladio.

Tambien viajaremos a la mente del gran arquitecto, expuestos los bocetos de sus obras maestras, diseños conservados desde hace 400 años en Gran Bretaña.

Palladio fue un arquitecto revolucionario, cambió la concepción de esta disciplina dando la misma importancia a  las obras de construcción civil (como un puente o una granja) que a los palacios e iglesias. Además,  todo su recorrido profesional estuvo marcado por las ganas de aunar teoría y práctica. En este sentido, es el primero en teorizar por escrito sobre la arquitectura con su conocido tratado ‘Los cuatro libros de arquitectura’, consagrado como modelo y como manual de referencia por sus contemporáneos, pero también por los profesionales de las siguientes generaciones.

La exposición se ha podido ver hasta ahora en el Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio (Vicenza, Italia), en la Royal Academy of Arts (Londres) y en CaixaForum Barcelona

A diferencia de las exposiciones de Vicenza y Londres, en ésta hay una sección sobre los denominados edificios “palladianos” de España, de la que se ha encargado el profesor de la Universidad Autónoma de Madrid, Fernando Marías.

Día 5: El hombre que no existe

Segunda semana en Sitges, lo que significa que todavía queda una semana entera de películas y muchas cosas por ver antes de decidir quienes son los ganadores de esta edición, que, de momento, está superando el nivel artístico de la del año pasado aunque sin una clara favorita –que al final no ganó- como fue la gran ‘Déjame entrar’.

Y empezamos con una firme candidata a ganar premios este año. Se trata de la nueva película del realizador belga Jaco van Dormael, que debutó en 1991 con ‘Totó, el héroe’ y que presenta estos días ‘Mr. Nobody’, que firma 13 años después de su última película ‘El octavo día’. No tiene prisa el belga, y se nota, porque cuando hace algo lo hace bien y tranquilo. Protagonizada por Jared Leto, que interpreta al Sr. Nadie pero con un reparto coral por donde pasan Sarah Polley o Diane Kruger entre otros, ‘Mr. Nobody’ es un cuento sobre las decisiones tomadas, el tiempo que pasa, las realidades alternativas y el amor. Todo ello convertido en una mágica película que nos hace pensar en lo maravillosa que es la vida cuando aprecias las pequeñas cosas. Dicho así suena un poco cursi, pero las dos horas de metraje te llevan a tantos sitios que es imposible no quedarse pegado a la butaca viendo la vida de Nemo Nobody.

Trailer Mr. Nobody:

La mañana continúa con un documental incluido en la sección Noves Visions de no-ficción, ‘Cropsey’, dirigido por los americanos Joshua Zeman y Barbara Brancaccio. El primero con más de diez años de experiencia cinematográfica como productor y la segunda, trabajadora de la administración de Nueva York. Esta extraña pareja ha hecho un gran trabajo de investigación para contar una historia aparentemente mil veces vista sobre un secuestrador de niños, pero con la diferencia que en este documental la cosa empieza como una leyenda urbana que se cuenta en Staten Island sobre lo que pasa a los alrededores de un horrible hospital abandonado pero que al final, esta leyenda se convierte en realidad con unas desapariciones de niños durantes los primeros años ochenta. En ‘Cropsey’ hay una leyenda, un acusado y un juicio. Todas las partes tienen cabida en el documental. ¿Será culpable el hombre detenido? Se intenta aquí aclarar la verdad, pero vaya, al final somos nosotros, los espectadores los que tendremos que decidir, y en este caso con todas las cartas sobre la mesa, se convierte en una tarea bastante complicada.

Trailer Cropsey:

Dia 6: La fiera de mi niña

Primera gran decepción del festival, con el esperado estreno del nuevo film de Vincenzo Natali, director de la aclamada ‘Cube’ – que ganó hace años el premio a la mejor película en el festival- y del tecnológico e interesante thriller ‘Cypher’. Pues bien, Natali estaba ansioso por presentar al mundo ‘Splice’, y Sitges era el lugar ideal para acoger la premiere mundial del film que según el propio director llevaba años preparando y del cual ha contado que había sido muy complicado llevar a cabo. Ahora que lo hemos visto, diremos –y nos sabe mal decirlo- que ‘Splice’ es una completa decepción. Producida por Guillermo del Toro, ‘Splice’ es un drama terrorífico sobre la experimentación científica extrema, y cuenta como un matrimonio de científicos formado por Adrien Brody y Sarah Polley crean a espaldas del laboratorio donde trabajan un monstruito que crece casi como un humano pero que como ocurre en todas las ‘monster movies’ se les va de las manos la criatura y ocurren una serie de catastróficas desdichas. El monstruo en si está muy bien conseguido, pero esto no es suficiente, ya que los actores tienen cero química, y la historia no tiene nada ni de especial ni de original y entretiene lo justo. Una gran decepción que es mejor olvidar.

Trailer Splice:

En Sitges no todo son películas de corte fantástico y/o terrorífico, y un ejemplo de ello ‘TiMER’, la película que pudimos ver después del chasco de ‘Splice’. Se trata de la primera película de la californiana Jac Schaeffer, y es una comedia romántica con una premisa fantástica donde hay un aparato en forma de reloj digital muy popular que se incrusta en la muñeca de cada persona y que muestra una curiosa cuenta atrás. Te dice los días, los minutos y los segundos que faltan para que encuentres a tu amor verdadero. No más preocupaciones ni dolores de cabeza pensando si será esta o la otra tu persona ideal, porque con el TiMER no hay lugar para fallos. La protagonista de la historia es Oona, interpretada por Emma Caulfield – la genial Anya en la serie de culto ‘Buffy Cazavampiros’ – una chica a punto de cumplir los 30 obsesionada con el aparatito en cuestión y en encontrar al amor de su vida que parece que nunca llega. La película en si no es ninguna maravilla, y si no fuera por el elemento fantástico sería la típica comedia romántica independiente americana del montón, pero consigue hacernos reír unas cuantas veces y hoy con eso ya nos conformamos.

Trailer TiMER:

Dia 7: Ground control to Major Sam

El crecidito hijo de David Bowie, Duncan Jones, debuta como director con ‘Moon’. Y menudo debut. Un obra que se nota que ha hecho un fan total de los films de ciencia ficción de los setenta como ‘Naves misteriosas’ o ‘Solaris’, que no incluye ni fuegos artificiales ni explosiones espaciales. En ‘Moon’ hay mucha maqueta, mucha tranquilidad y solamente – o casi – un actor, Sam Rockwell, que está soberbio interpretando a Sam Bell, trabajador de una base lunar que solamente tiene una compañía en en espacio, un robot inteligente llamado Gerty al que pone la voz kevin Spacey y que no tiene nada que envidiar a HAL 9000. Una película inteligente para reflexionar sobre la soledad.

Trailer ‘Moon’:

Y de una gran sorpresa a una gran decepción, porque no hay otra manera de definir ‘Paranormal Activity’, la película – por llamarla de alguna manera – del debutante Oren Peli, que en forma de ‘cine verité’ nos cuenta la historia de una joven pareja que piensan que en su casa podría haber un poltergeist. El novio compra una cámara y nada, el público se traga lo que graba esta fantástica cámara, porque lo que graba son tonterías aparentemente terroríficas. Esta película se filmó en realidad en 2007 con cuatro duros, la vio Steven Spielberg y ahora, a través de su productora prepara un desembarco a nivel global con el que espera convertir ‘Paranormal Activity’ en la nueva ‘El proyecto de la Bruja de Blair’, con la que comparte estilo y bastantes cosas más. Pues bien, no podemos decir nada buena de ella. Es aburrida, las aparentes actividades paranormales que ocurren en la casa están tan dosificadas que no se puede hablar ni de preparación para un climax final que nunca llega, los sustos –ehem- se pueden contar con los dedos de una mano y los protagonistas no dejan de explicar tonterías sin interés. En fin, una gran tomadura de pelo y una gran manera de vender humo.

Trailer Paranormal Activity:

Dia 8: Vacíos mentales

Teníamos ganas de ver ‘9’, producida por Tim Burton y dirigida por Shane Acker a partir de un corto llamado igual nominado a los Oscar en 2005 que él mismo dirigió. Pues bien, en corto era mejor, porque la historia de ‘9’, dónde un muñeco de trapo se despierta en un futuro devastado por una guerra entre máquinas y hombres que ha aniquilado a la raza humana por completo y que ha de sobrevivir junto a otros muñecos de trapo a los ataques de unos monstruos mecánicos muy malos, no da para mucho, y una vez hemos podido admirar la increíble animación y puesta en escena de los primeros minutos de la película, nos cansamos rápido de ver como los muñequitos en cuestión saltan y escapan de situaciones muy peligrosas en secuencias aparentemente trepidantes antes de salvar el mundo. Unos ochenta minutos que se hacen eternos.

Trailer 9:

Una película radicalmente opuesta a ‘9’ pero igual de decepcionante fue la que se vio justo después en el Auditori. Se trata de ‘Enter the void’, la nueva provocación de Gaspar Noé, el provocador director de ‘Irreversible’ que había creado una expectación enorme con su nueva película. Aquí la cosa se podría resumir como la historia de dos hermanos que viajan de Europa a Tokio y que caen en la trampa mortal de las drogas y el sexo por dinero. Esto es solo una pincelada porque el conjunto va mucho más allá, explorando los lados más oscuros del ser humano, plasmando en imágenes las alucinaciones lisérgicas de los personajes, jugando con la cámara con interminables falsos planos secuencia. Un viaje alucinante que de tan alucinante se convierte en una pesadilla interminable – el conjunto dura casi 3 horas – llena de imágenes aparentemente provocadoras que no provocaron otra cosa que bostezos sin fin.

Trailer ‘Enter The Void’:

Dia 9: no me toques que me contagias

Hoy solamente pudimos ver una película, pero escogimos bien. Era el debut en largo de los hermanos Alex y David Pastor. Un debut de lujo para estos dos barceloneses trasladados a Hollywood –uno de ellos ya vivíaa en las americas – que han contado con Chris Pine (‘Star Trek’) y Piper Perabo (‘Bar Coyote’) como rostros más conocidos para encabezar el reparto de ‘Carriers’, una sorprendente historia que nos presenta un mundo devastado por un misterioso y mortal virus del que poco se sabe. Lo que si se sabe es que es muy contagioso, y el grupo de protagonistas, formado por dos hermanos, y sus respectivas parejas – o similares – tratan de sobrevivir a la terrible situación huyendo en coche por las desérticas carreteras de los Estados Unidos. Siendo más un drama humanos que una película de terror al uso, ‘Carriers’ narra de forma brillante y eficaz una historia de supervivencia con más dramatismo de lo habitual en este tipo de filmes y con un final redondo.

Trailer Carriers:

Día 1: La niña Medeiros contra los trolls vegetarianos

Hemos estado durante un año contando los días que faltaban para que llegara una nueva cita con el Festival de Sitges y la espera ha terminado por fin, porque la edición número 42 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya empezó el pasado jueves 1 de octubre, y hasta el próximo lunes 12, la Blanca Subur se teñirá de rojo cerca del mar. La encargada de la inauguración fue ‘[Rec] 2’, film idóneo para abrir Sitges con todos los honores, ya que la primera parte, ‘[Rec]’, fue la gran sorpresa del Festival hace un par de años, y culpable en parte de que su pareja de directores, Paco Plaza y Jaume Balagueró hayan decidido retomar dos años después la historia, justo en el momento donde acababa la primera parte, para seguir explorando y buscando respuestas a los terroríficos eventos ocurridos en el céntrico piso de la Eixample donde pasa la acción, con unos peligrosos inquilinos infectados por algún virus extraño. Esta vez la acción no la graba un reportero intrépido, sino que seguimos la historia a través de las cámaras de un grupo de GEOS que entran en el edificio y también a través de la cámara des de tres adolescentes que dan un poco de rabia y a quien los directores ya se encargan de poner en su lugar. También aparece en esta secuela la protagonista de la primera entrega, Manuela Velasco, y algún que otro personaje más. Sin jugar a su favor el efecto sorpresa que tenía la primera parte, ‘[Rec] 2’ es una muy buena y más que digna continuación, con más sangre, más sustos y más risas.

Trailer Rec2:

La segunda película que vimos el primer día fue “Best Worst Movie” tronchante documental sobre el culto que se ha formado principalmente en Estados Unidos (donde sino) por la considerada peor película de todos los tiempos, ‘Troll 2’, con un 0% de críticas positivas en la web cinéfila de referencia ‘Rotten Tomatoes’. ‘Best Worst Movie’ estestá dirigida por Michael Stephenson, que fue el niño protagonista de ‘Troll 2’ con 10 años, un historia sobre un pueblo americano lleno de goblins vegetarianos que intenta atemorizar a una pobre familia que llega para instalarse. En ‘Best Worst Movie’, se sigue a los participantes de aquel film estrenado en 1990 en la actualidad, y vaya elementos a los que se consigue juntar, porque un grupo de freaks que no tienen desperdicio: un dentista amigo de todos que se convierte en estrella por un día gracias al submundo de su única incursión cinematográfica ‘Troll 2’, actrices venidas a menos, amas de casa retiradas y encerradas en casa con candados de hierro cuidando de madres enfermas o exfumadores de porros con graves secuelas. Curioso y sentimental documental.

Trailer Best Worst Movie:

Día 2: El cura al que le gustaba la sangre Lo de ayer fue solo un pequeño avance, el primer gran día de festival es el viernes, cuando se puede decir que Sitges a empieza a tiempo completo. El auditorio del Hotel Melià se ha convertido en nuestra base principal, ya que el grueso de los filmes se proyectan allí, y hoy la cosa ha empezado pronto con el pase de la segunda película de producción española presentada en el certamen, ‘Hierro’, dirigida por el debutante Gabe Ibañez, que ya se vio en el pasado festival de Cannes. Un thriller de terror psicológico que da un protagonismo muy especial a la Isla Canaria de Hierro donde hasta se buscaron las localizaciones antes de tener ni un guión para la película. La protagonista, Elena Anaya, la cual se pasa todo el metraje buscando a su hijo desaparecido sufre mucho la pobre, y aparte del hijo lo que le ha desaparecido a Anaya son las curvas y las carnes. Se ha quedado en los huesos y lo que la pobre necesita unos cuantos bocadillos de chorizo. La historia no es muy original pero cumple con los objetivos de cualquier thriller de misterios y desapariciones decente. Las imágenes y la fotografía son hipnotizantes y eso hace especial a la película, pero tiene un típico ‘twist’ final mil veces visto y fácilmente imaginable que le quita mérito a todo el conjunto.

Trailer Hierro:

Lo que le falta a ‘Hierro’ es sangre, y lo remediamos fácilmente con ‘Thirst’, la nueva película del surcoreano Park Chan-Wook, un habitual de Sitges que ya presentó en ediciones anteriores del Festival su trilogía de la venganza, formada por las formidables ‘Sympathy for Mr. Vengeance’, ‘Old Boy’ y ‘Sympathy for Lady Vengeance’ y la bastante menos brillante ‘I’m a Cyborg, But That’s OK’ con la que se desmarcó de la tragedia, drama y fuerza de sus anteriores películas y se decantó por una comedia bastante estética y con poco que resaltar. Pues bien, parece que Park Chan-Wook se ha cansado de amores fáciles de manicomio y aquí cuenta la historia de un sacerdote que, en una misón en África se transforma por accidente en un vampiro, con todas las consecuencias que ello implica, entre las que destacamos la sed de sangre y la sed de carne. Su mundo como sacerdote se derrumba al empezar una relación con la mujer de uno de sus seguidores. Un film excesivo y fascinante, que fuera de lo que pueda parecer, tiene momentos de comedia negra hilarantes y cuenta con un final muy poético.

Trailer Thirst:

No todo son novedades en el Festival, y aparte de celebrar el 30 aniversario del Alien de Ridley Scot, que es la imagen de este año, hoy hemos visto en pantalla grande uno de los clásicos de Kubrick, ‘La naranja mecánica’, que dentro de poco se estrena otra vez en salas por primera vez en una edición remasterizada digitalmente. El pase se aprovechó para dar un premio a su productor, Walter Hill, y invitando a su protagonista, Malcolm MacDowell.

Día 3: Amor de madre El primer fin de semana en Sitges empieza en el espacio con ‘Pandorum’, que el cartel anuncia bien grande que es obra de los creadores de ‘Resident Evil’, cosa que de entrada es bastante negativo. Pero tranquilos que no se parecen mucho las dos películas. ‘Pandorum’ está dirigida por Christian Alvart, y le ha producido la película Paul WS. Anderson, que ha dirigido despropósitos como la adaptación al cine del videojuego ‘Mortal Kombat’, o el remake de ‘Death Race’. Pues bien, antes de eso dirigió una película de terror espacial protagonizada por Sam Neil llamada ‘Horizonte Final’ que no estaba nada mal y a la que ‘Pandorum’ nos recuerda en algunas cosas. El argumento: en un futuro muy lejano, una nave ha sido mandada en una misión espacial para encontrar un nuevo planeta para vivir dado que la tierra ha agotado todos sus recursos por completo, dos personajes (Dennis Quaid y Ben Foster) despiertan sin saber quiénes son ni qué hacen allí, y una serie de misterios terroríficos se irán desvelando poco a poco mientras encuentran a otros supervivientes que pululan por la nave mientras hacen frente a unos bichos muy malos y agresivos. Casi dos horas de buen entretenimiento sin descanso.

Trailer Pandorum:

A continuación, la tercera película española que vemos en Sitges, y de momento, la mejor. El nuevo film de Daniel Monzón, antes periodista y desde los tiempos de su debut con ‘El corazón del guerrero’, director de cine. Después de presentar en Sitges’06 su anterior film, la irregular ‘La caja Kovak’ este año llega para presentar la que probablemente sea la mejor película española del año, ‘Celda 211’, thriller carcelario con Luis Tosar haciendo de preso peligroso, Antonio Resines haciendo de funcionario peligroso y el desconocido Alberto Ammann haciendo de novato funcionario metido a preso que se vuelve peligroso por sorpresa. La película, adaptación de la novela del mismo nombre de Francisco Pérez Gandul no tiene nada que envidiar a los acelerados buenos thrillers americanos y es una buena muestra de lo que el cine nacional podría conseguir si se dejase de tanta comedia y tontería televisiva.

Trailer Celda 211:

Durante la proyección de ‘Celda 211’ pasó una cosa muy curiosa, unos gritos se oyeron en la sala. Venían de fuera, del exterior de l’Auditori. ¿Qué podía pasar? Lo pudimos comprobar al salir de la película. Mientras todo el personal presente en el Auditori estaba sufriendo con la tensión de Celda 211, un grupo de jovencitas un poco histéricas sufría por unos motivos muy distintos. Se presentaba oficialmente en España la segunda parte de la saga Crepúsculo, unas novelas de una escritora mormona llamada Stephanie Meyer que están siendo la última revolución teen del momento. Pues bien, había gente que llevaba haciendo cola desde el día anterior, y solo para ver un par de escenas de la película ‘Luna nueva’, que se estrenará mundialmente en noviembre. Bueno, también venía a presentarla uno de los personajes, y no era la pareja protagonista, sino un secundario que ni aparecía en la primera parte, Jamie Campbell, que si tiene algún interés para nosotros es que fue uno de los protagonistas del ‘Sweeney Todd’ de Tim Burton y que canta la mar de bien. Apuntaba maneras el pobre, pero ya lo hemos perdido, y como se despiste se lo comen sus fans antes del estreno. Como no todo se proyecta en el Audtiori, tocaba bajar al Casino Prado, el mítico cine del pueblo que algunos conocen como ‘la capilla sixtina’ del Maresme para ver un aterrador film europeo, ‘Deliver Us From Evil’ de Ole Bornedal, que nada tiene que ver con aquel documental sobre un cura pederasta estrenado no hace mucho. Aquí se cuenta una historia de ficción que bien podría ser real, donde el mal aparece en forma de racismo y xenofobia, y de lo que puede pasar en un aparentemente idílico pueblo de Dinamarca cuando muere ¿por accidente? un querido habitante de esta pacífica comunidad. Una situación que se escapa de las manos y en la que todo el mundo recibe. Una atmósfera que se va cargando hasta el punto de que hay momentos tan increíblemente terroríficos que aquello de que la realidad supera la ficción no puede ser más cierto. Los seres humanos pueden llegar a ser muy miserables.

Trailer Deliver Us From Evil:

La próxima va de amor de madre. Y que amor. El póster de la película dice: ¿Qué harías para ser madre? Pues lo que hace Jordan Ladd, protagonista de ‘Grace’ la primera película del norteamericano Paul Solet para ser madre no tiene nombre. Un consejo para las mujeres que se dispongan a ver esta joya: si estáis embarazadas o tenéis pensado tener hijos pronto, absteneros. Una historia del amor de una madre por un hijo un poco macabra y aterradora. Rebeca de Mornay decía que ‘la mano que mece la cuna es la mano que domina el mundo’, pues aquí esta contundente afirmación alcanza unos niveles bastante peculiares.

Trailer Grace:

Volvemos a Europa con ‘Kynodontas’, una película griega dirigida por Giorgos Lanthimos que ya desató la polémica en el pasado Festival de Cannes, donde se llevó el premio ‘Un certain regard’ y que tiene un curioso punto de partida. Una pareja cría a sus tres hijos postadolescentes en la más absoluta intimidad. Los hijos no han atravesado nunca el jardín y viven encerrados entre las cuatro paredes de una casa – eso si, bastante grande al menos – bajo la tutela de unos padres que prefieren distorsionar su realidad a enfrentar a sus hijos al –cruel- mundo real. Como no podía ser de otra manera, la cosa se les va un poco de las manos, pero toda la película mantiene una línea entre film costumbrista y surrealista que da escalofríos. Quizás se alarga demasiado el metraje, pero la idea es tan buena que no le quitaremos ningún merito al conjunto. La larga jornada del sábado termina con carne fresca preparada para ser destrozada en ‘Sorority Row’, la típica película americana de terror adolescente extremadamente moralista. Una especie de ‘Scream’ para las nuevas generaciones – ¿tan rápido pasa el tiempo? – sin ningún tipo de personalidad y ambientada en una hermandad de chicas que están a punto de terminar la universidad, que se ven envueltas en un terrible accidente y que alguien las va matando una a una. Las protagonistas son un grupo de jovencitas buenorras – con la excepción de Rummer Willis, hija de Bruce Willis y Demi Moore, que la pobre no ha salido ni al padre ni a la madre. Como curiosidad apuntar a la participación de la ex-princesa Leia Carrie Fisher como la matrona de la hermandad.

Trailer Sorority Row:

Día 4 Que vivan los niños (del infierno)

Los protagonistas de la jornada de domingo, día del señor, han sido principalmente los niños. Primero, con el pase de un par de películas dirigidas principalmente a ellos, como son la revisión en 3D de la primera ‘Toy Story’, primera colaboración entre Disney y Pixar, que se estrenó por primera vez en 1993 y que para calentar motores de cara al estreno de la tercera parte de la saga prevista para 2010 reestrena en formato 3D las dos primeras entregas. Así que otra vez pudimos comprobar porque Pixar es la mejor casa de animación del mundo y porqué sus películas aguantan el paso del tiempo de maravilla. La otra película para niños y ‘jóvenes’ del día fue también en 3D, formato que dicen en la industria está haciendo vender más entradas pero al que nosotros no encontramos particular gracias. Se trata del retorno a la dirección de Joe Dante, maestro que vivió su época dorada en los 80 dirigiendo taquillazas como ‘Gremlins’ o ‘El chip prodigioso’ pero que el pobre ha perdido últimamente el favor del público. Hoy presentaba su nuevo film, ‘The Hole, pensado especialmente para las tres dimensiones, una historia bastante poco original sobre un par de hermanos que se mudan con su madre a una nueva casa donde en el sótano encuentran un misterioso agujero negro… Este nuevo intento de Dante de volver a sus orígenes no le sale muy bien al director, y este agujero negro intrascendente caerá rápidamente en el olvido. Los niños continúan siendo los protagonistas de la jornada pero a medida que avanza el día se van volviendo más oscuros y peligrosos y no querríamos estar en la piel de los padres de los próximos niños protagonistas de ‘Orphan’ ni de ‘The Children’ por nada del mundo. La primera es la nueva película de Jaume Collet-Serra, un catalán que hace tiempo que está establecido en Hollywood, donde ha dirigido hasta a la misma Paris Hilton en el remake de ‘La casa de cera’ y que ahora vuelve con ‘Orphan’ una muy entretenida película protagonizada por la aparentemente angelical Isabelle Fuhrman en el papel de una Esther, una niña adoptada que resulta ser un poco cabrona. Algo le pasa a Esther, dice el anuncio del filme. Y vaya si le pasa. Los padres se pasan la mitad del metraje maldiciendo el día que tuvieron la brillante idea de adoptar a una niña teniendo ya dos hijos a los que alimentar. Pero gracias a esta temida adopción nosotros los espectadores nos lo pasamos en grande viendo como Esther hace cosas de lo más retorcidas. Una buena puesta al día de las películas con niños infernales como ‘La profecía’ o la ya más que olvidada ‘El buen hijo’ con un diabólico Macaulay Culkin haciéndole la vida imposible a Elijah Wood. Quizás a ‘Orphan’ le sobran unos cuantos minutos, pero consigue muy dignamente a pesar de los tópicos, que son muchos y variados, entretener.

Trailer Orphan:

Y terminamos el día no con otro niño diabólico, sino con cuatro niños diabólicos más, los de ‘The Children’, última película del británico Tom Shankland, que presentó hace unos años en Sitges ‘Waz’, fallido thriller con asesino misterioso a lo ‘Seven’. Esta vez le ha ido mejor, y esta historia de dos familias con hijos que se van a pasar el fin de año en una casa aislada en las montañas funciona muy bien. Y quien la hace funcionar son esas lindas criaturas que se infectan de un virus extraño y empiezan a destripar a sus progenitores.

Trailer The Children:

Continuará…

Fundación Telefónica, con la colaboración de la Fundación Cultural Hispano-Brasileña, presenta  la retrospectiva más completa realizada en España hasta la fecha de Oscar Niemeyer.

La exposición que podrá visitarse hasta el próximo 22 de noviembre, recorre cronológicamente su obra, desde sus primeros trabajos en Brasil en los años 30, hasta sus proyectos en marcha (casi 500). Entre ellos, el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer, que se ubicará en la localidad de Avilés, reconocimiento a la tierra que en 1989 le concedió el Premio Príncipe de Asturias por la osadía y libertad de su obra

La exposición, comisariada por Lauro Cavalcanti, está compuesta por maquetas, dibujos, croquis, libros, fotografías, un sofá, una escultura, proyecciones y películas.

Niemeyer ha contribuido a crear una nueva perspectiva de la arquitectura, en la que la línea curva es la protagonista de sus obras: “no es el ángulo recto el que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por los hombres. Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las ondas del mar, en las nubes del cielo, en el cuerpo de la mujer amada. De curvas está hecho todo el universo”.

La exposición pretende mostrar no sólo la extensa producción del arquitecto en su país, con la capital brasileña como exponente, sino también en el extranjero, con obras como la sede del Partido Comunista francés en París, la de la editorial Mondadori en Italia y otros edificios en Argelia, Portugal o Malasia.

Oscar Niemeyer es pionero en  la exploración de las posibilidades del hormigón armado. Transforma este material y con la curva lo hace regresar a las formas de la naturaleza creando estructuras dinámicas y livianas que se adaptan a las condiciones medioambientales.

El arquitecto brasileño es ante todo un humanista que inicia sus trabajos con trazos y dibujos, luego escribe textos para argumentar los croquis y finalmente, desarrolla los proyectos arquitectónicos, que tienen un fuerte compromiso político, social y cultural, ya que para él  “la vida le parece más importante que la arquitectura”.

La obra del brasileño revela “la maestría” y “elegancia de sus diseños” ,”su participación personal y directa en todas las etapas de sus proyectos”, “la originalidad de sus trazados” y “la imaginación de sus proyectos”, indicó la Fundación Telefónica.

Una completa retrospectiva , que no hay que perderse, sobre uno de los artistas, cómo él mismo se define antes que arquitecto, que más ha influido en la arquitectura del siglo XX.

Presentación proyecto Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (Avilés):

‘Out of Projection’, que se puede ver hasta el 18 de enero, es una exposición minimalista, que consta de dos proyecciones simultáneas de vídeo, en blanco y negro. Para la primera, Maljkovic eligió como escenario una de las centrales de la empresa de automóviles Peugeot, en la ciudad francesa de Souchaux. Allí, Maljkovic juntó a los jubilados de la central con los prototipos más nuevos e innovadores de los automóviles del futuro

El artista justifica la elección con el objetivo de juntar, en una misma imagen, el pasado y el futuro, la tradición y la modernidad. El resultado es una secuencia de imágenes que sobrecogen por la sensación de soledad que transmiten, subrayada por la ausencia de palabras. La gente camina, mira a la pantalla y habla, pero lo único que el artista deja que se escuche es una especie de pitido, un sonido electrónico como si se tratara de la maquinaría de una fábrica de automóviles.

La segunda proyección transmite la misma sensación de angustia, al presentar un único personaje hablando ante la cámara. Pero una vez más no se le escucha. Se ve como mueve los labios, como cambian las expresiones de su rostro, pero en ningún momento se llega a entender lo que está intentando comunicar. Esto se encuadra en la visión del artista del género documental. Para Maljkovic, el documental informa y confunde al mismo tiempo y eso es lo que consigue en su segunda proyección.

La obra del artista croata David Maljkovic, se centra en la memoria y en la amnesia colectiva, así como en la posible reconstrucción de un futuro. Cuestiones todas ellas muy ligadas a la reciente historia de ex Yugoslavia.

CosmoCaixa

Un lugar sorprendente,  que cuenta con  la reproducción exacta de un trozo de más de 1.000 m² de bosque inundado de la selva amazónica brasileña. Donde el visitante  no sólo explorará la parte inundada sino también su relación con la tierra firme.  Disfrutando de la visión subterránea, la aérea, la lluvia tropical…, todo, integrado en medio de la flora y la fauna típicas de la zona.

Para ello el equipo del Museo de la Ciencia se trasladó expresamente a Pará, en Brasil, para llevar a cabo moldes y reproducciones fieles de sus grandes árboles, como las ceibas. Además, ha incorporado más de 100 especies vivas, entre animales y plantas autóctonas. Todo, para que descubras uno de los ecosistemas más ricos en biodiversidad y, a su vez, más frágiles del planeta.

Otro espacio singular será “El muro geológico” formado por siete grandes cortes de roca que permiten interpretar la geología del mundo.

CosmoCaixa además te propone un recorrido por la historia de la materia, desde el Big Bang hasta ti mismo, en una exposición de más de 3.500 m².

Se trata de la exposición permanente del museo en la que experimentos, piezas reales y seres vivos te proponen un apasionante viaje por La evolución de la materia.

Desde el principio del Universo, hace 13.700 millones de años, han pasado cuatro grandes efemérides: la primera, el propio origen de la materia; la segunda, la aparición del primer organismo vivo; la tercera, la conquista de la inteligencia simbólica, y la cuarta, la emergencia de la civilización.

Por otro lado el Planetario de Barcelona te propone un viaje apasionante  por el espacio y el tiempo. Podrás contemplar el Universo en diferentes momentos de su historia y serás testigo de los fenómenos cósmicos más espectaculares.   ¡Ven a dar una vuelta por la galaxia!