Toda la apariencia externa de Dúo Cobra lleva a engaños. Desde su nombre, tan de vodevil, tan de ring de Lucha Libre Mexicana, tan de película barata de artes marciales, hasta la apariencia, entre crooneresca, esperpéntica, elgante y fiestera de sus dos miembros, Javi Álvarez (hombre metido en mil historias, colaborador de Roldán, mitad musical de Fluzo) y Álvaro Barriuso, pasando por el título de su primer álbum largo: “Déjate Morder”, con ese rollo lascivo de pacotilla tan de bar de carretera.

Semejante universo haría pensar, en primer lugar, que a estos tíos lo que les pone es el rock’n’ roll de tugurio y patillas, y que se dedican a hacer maldades distorsionadas a cambio de cerveza y maltratar los oídos del personal. Y aunque parte de razón no faltaría en estas suposiciones, la verdad verdadera es que la música de Dúo Cobra es de una dulzura que estremece, que lo que a estos chavales les mola es crear paisajes sonoros de inspiración electroacústica, cachondearse vía 8 bits y cacharritos, escribir letras de folk arrastrado en las que se dibujan sueños, desamores y desidias entre el surrealismo y la derrota y en definitiva, hacer música bonita. Las camisas hawaiianas y el tupé cobran de pronto otra dimensión.

Riquísimo en recursos expresivos (colchones dronísticos, grabaciones caseras editadas de formas muy poco convencionales, contrabajos, guitarras acústicas, batería, celestas, melotrones, contrabajos y vaya usted a saber cuantos cacharros más), tanto si se apoya en un muy particular uso de las voces (a veces apenas susurradas como en la especialmente íntima “Volandito”) para crear algún que otro jitaco (la incontestable “Panayonqui 76″, el blues comatoso y desnudo de “Todo me apetece”) como en piezas instrumentales centradas en la guitarra y los ruidillos más variopintos, el paseo que propone “Déjate Morder” es breve, agridulce, tragicómico, lleno de momentos brillantes. Un disco en voz baja, de patio de vecinos alucinado, de mundo tronado a media luz, hermético, desbordado de la felicidad desmedida del lunático, que los sitúa desde ya en un lugar aparte dentro de nuestro panorama independiente, facción rabiosa y convencida. Bienvenidos sean.

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Los nórdicos son gente sensible. Ven poco el sol, pasan largas temporadas encerrados en sus casas, caminan entre la niebla, adoran a dioses vestidos con pieles, desayunan reno y caminan entre la niebla preguntándose por el sentido de su existencia ¡Ah! también tienen una manera muy particular de entender la música instrumental.

Porque a pesar de quien afirma (y no sin parcial razón) que el ya resobado concepto postrockero engloba a un montón de bandas que siempre acaban sonando a lo mismo, lo cierto es que si uno se pone a rastrear, y encuentra propuestas de cierto calado personal, acaba dándose cuenta de que no suenan igual las (buenas) bandas venidas de Texas, que las procedentes de California, de Boston, de Irlanda, de Canterbury, de Alemania, o, como en el caso que nos ocupa, de la fría, ordenada, eficiente y descreída Suecia.

El post rock, como otras músicas basadas en la progresión de su dinámica interna, es un género que tiene que reinventarse a sí mismo una y otra vez para no resultar cansino, para avanzar y para que las bandas puedan encontrar una manera de expresarse propia. Seguramente se deba a una suma de factores de hecho, compositivos, y a una serie de exigencias de y hacia el oyente, unido todo ello al tipo de sensibilidad que implica, normalmente conectada con el paisaje, el entorno, los ambientes, concentrada en las atmósferas. Y claro, poco tiene que ver el desierto de Arizona con los fiordos noruegos. Aunque, todo sea dicho, tales divagaciones son sólo conjeturas.

El caso es que, dentro de la escena europea, bandas de procedencia similar como September Malevolence, The Samuel Jackson Five, Jeniferever o los que nos ocupan, se sitúan, sea o no coincidencia, en un reducto propio, acotado y de sensibilidad distinta a la de muchos de sus contemporáneos. Y que, con este disco, su tercer esfuerzo largo tras “Give me Beauty or Give me Death” y “I am Responsible”, consiguen dos cosas muy importantes. Primero: firmar su mejor disco hasta la fecha, de lejos su obra más conseguida y personal. Segundo: convertirse en abanderados instantáneos de sus compañeros de generación y geografía, epítome, paradigma y summa poética de lo que el post rock escandinavo significa y suena a día de hoy.

¿Y a qué suena? se preguntarán. Pues para empezar suena lírico y brumoso, suena a pianos y violines, suena a atmósferas y a susurros, pero también a explosiones de vientos, a melodías corales, a sueños élficos, a nostalgia, a frío y a madera. El post rock escandinavo es bonito y humilde en su grandilocuencia y trabaja las estructuras y las atmósferas en temas de progresión larga (sólo un tema, “Fyra”, que no puede dejar de ser considerado como una especie de interludio electroacústico, y la intro bajan de los seis minutos, y el tema de cierre se va hasta los 12 y pico) en los que las voces, masculinas y femeninas, tienen un peso específico importante. Son oscuros y luminosos al mismo tiempo, y en temas como “Sons of Ghosts” o el primer single “Longing for Colors”, temas ambos que podrían sintetizar todos los logros del álbum, abrazan tiernas líneas de melodía vocal (que podrían facilmente recordarnos a los últimos múm en sus momentos calmos) y se lanzan a tremendos crescendos de euforia o desesperación. Saben muy bien cómo construir sus temas, cuando parar, cuando lanzarse colina abajo como el rítmico y desbocado inicio de “K-141 KYPC”, que de golpe se detiene para entregarse a una danza de líneas de guitarra y pesadas percusiones. Suenan límpios y fuertes, echan mano de mucha sana distorsión sin saturar, y detrás de cada sonido hay misterios.

El post rock escandinavo es azul y dorado, y merece ser escuchado y admirado por todos los fans del género. Más si sus luminarias, los motores que lo empujan más allá, tienen la categoría de este álbum, desde ya uno de los pepinos de este año 2010.

por Natxo Medina

Como cantan por duplicado en las dos versiones del tema que da título a su nuevo disco, Standstill han sido siempre una banda con “un plan para escapar hacia adelante”. No será esta la enésima vez en la que hablemos de la espectacular y no por todos entendida (o compartida) evolución de la banda, desde sus inicios posthardcoretas hasta este triple EP conceptual en el que poco o nada queda de distorsión y desgarro vocal. Cualquiera que sepa algo de la banda ya estará al tanto del afán de Enric y los suyos por avanzar a pasos de gigante cada vez que se embarcan en una nueva aventura discográfica. Así puestos, tampoco debería sorprender los caminos que toman en esta gargantuesca y excesiva obra. Aún así, una diferencia sí que podemos marcar con respecto a su antiguo corpus creativo: esta vez, Standstill se han pasado de listos.

El que esto suscribe ha sido fan a muerte de los barceloneses casi desde sus mismos inicios. Si bien no escuché “The Tide” hasta hace bien poco, recuerdo comprar “The Ionic Spell” poco después de su publicación, caer rendido a los pies de la banda, flipar después con su poderosísimo “Memories Collector”, quedarme a cuadros y luego amar sin remisión “Standstill” (el que para mí sigue siendo su mejor disco), disfrutar la imaginación y creatividad de “Vivalaguerra” y corear como un hooligan descerebrado en unos cuantos de sus conciertos, donde siempre son sinónimo de calidad.

Y aunque ya con su anterior obra tuve la ligera sensación de que tal vez su discurso empezaba a resultarme un pelín menos excitante que antes, que todo estaba muy en su sitio, que las canciones eran ricas pero ya no tan tensas, ya no tan viscerales, ya no tan emocionantes, no ha sido hasta “Adelante Bonaparte” que la (discreta y relativa) decepción se ha confirmado. Standstill son ya otra banda, son otra propuesta, son gente preocupada por crear una serie de atmósferas, tratar una serie de temáticas, pulir los detalles hasta el infinito. Son muy artistas (con todo lo bueno y malo que eso conlleva), tienen muchos recursos en su mano, hacen buenas canciones, pero al escuchar el irregular tracklist de esta larga aventura uno no puede dejar de pensar que, aunque se les agradece la intención, algo importante se ha perdido definitivamente por el camino.

El nacimiento, la muerte y el paso del tiempo son los tres principales ejes vertebradores de esta autodenominada “fábula circular” que suena perfecta (con todas sus consecuencias) y trabajadísima, que está repleta de buenas ideas (la más evidente e interesante de las cuales empieza ya en su propia estructura tripartita) y por momentos es muy emocionante. Está llena de detalles sonoros que aportan riqueza al conjunto (grabaciones de campo y samplers como los que pueblan “Sálveme quien pueda”, “B. observa los fuegos artificiales” o la tremenda“Hombre Araña”, la incorporación por primera vez de cuerdas e instrumentos de viento al discurso) y en muchos momentos, sobre todo cuando se pone oscuro, la lírica de Montefusco alcanza grandes momentos. Ahí tenemos como muestra la brutal “Todos de pie”, “El resplandor”, “Moriréis todos los jóvenes” o “La Familia Inventada”. Es loable también que sigan manteniendo la inquietud por construir estructuras que huyan de lo típico, así como trabajarse melodías fuera de lo común. El problema viene cuando, a la hora de fijar grandes temas en la cabeza estos entran en competición con otros que caen del lado de la medianía.

Y eso puede explicarse de dos maneras. La primera es que a Standstill se les ha ido la mano con el azucar y el Pro Tools. No soy ningún detractor de la melodía ni mucho menos, pero en este disco, la producción suena tan limpia y tan correcta que llega a cansar, y hay temas TAN melosos, que uno sabe que está escuchando a Standstill, pero a veces piensa que los está escuchando versionar a Lali Puna o jugando a ser cualquier cantautor barato. Para acabar de concretar: “Hay que parar”, “Cuando ella toca el piano” (o cómo pasarse de costumbristas) o “Ayer Soñé Contigo” (donde abusan de los coros como si les fuera la vida en ello) o incluso “Vida normal” a pesar de su buen uso de las percusiones, son demasiado para un disco que alcanza sus mejores momentos cuando se ponen difíciles y/o enérgicos. Las dos partes de “Adelante, Bonaparte” (la primera subida a unos ritmos contagiosos y unas luminosas líneas de sinte, la segunda más trotona y percusiva), las ya citadas “Moriréis todos los jóvenes” y “El hombre araña” (con un crescendo excitante sonando sobre una grabación de padre e hijo manteniendo una tierna conversación) o el minimalismo tornado en espiral atmosférica de “La hora del acuario”.

La segunda, que los chicos se van haciendo mayores y se han puesto (quizá demasiado) trascendentales. Eso se refleja por supuesto en lo lírico, y aquí los buenos momentos, cuando Montefusco se pone cafre y suelta frases demoledoras, o en ocasiones cuando se reafirma en la intención de vivir y evolucionar de una forma muy personal y hermosa, se mezclan con otros que incluso rozan lo tópico o resultan demasiado graves. Esto, unido a la limpieza del sonido y lo presente y suave de la voz, hace que ciertos pasajes resulten un poco pretenciosos y desequilibren un discurso que en sí se adivina y se lee potente.

Pueden creer que me duele escribir cosas así sobre una banda tan importante para mí, para muchos y para el panorama de la música independiente nacional en general. Por supuesto, Standstill siguen siendo únicos, siguen tomando riesgos y currándoselo más que nadie. Pero como eso en su caso ya no es novedad, sino algo que va en su código genético, sólo queda tratar de analizar por qué esta bárbara obra no acaba de provocar esos tembleques emocionales que otros discos pasados sí que provocaron. “Adelante Bonaparte” es un triple salto mortal lleno de ecos y sonoridades, una obra necesaria para que el discurso del grupo siga vivo, pero 20 canciones después de empezar, uno se queda extrañado y se pregunta si quizás al tratar de crecer no se les habrá ido la mano empujando su discurso hacia adelante y por eso han caído en esos excesos que los hace resultar un poco cansinos en ocasiones.

Que me perdonen, ya que escribo esto desde el total respeto hacia su obra, pero como dicen ellos mismos, a veces “hay que parar”. Standstill son contrastadamente buenos y tremendamente creativos, pero tal vez sea cierto que no siempre eso es suficiente, o más concretamente, que a veces ser tan buenos puede incluso resultar una carga. Que me libren de decir que este es un mal disco, porque no lo es ni de lejos, pero en sus surcos reside el miedo de que tal vez estos Standstill están alejándose tan rápido de lo que fueron que puede que pase con ellos como pasa con esos amigos del alma que con el paso del tiempo apenas reconoces. Y eso da mucha pena, señores, mucha pena.

El 11 de Enero estrenarán mundialmente, Contra, su segundo disco. scannerFM ya lo ha escuchado gracias a Everlasting, distribuidora en España del sello de los newyorkinos, XL Recordings y te contamos como suena el disco.

En Enero del 2009  y después de 18 meses de gira VW empiezan a grabar el disco en Nueva York aunque pensaron en desplazarse a California para grabarlo. De todas maneras el espíritu de la costa Oeste pulula por todas las canciones junto a las pinceladas electrónicas, los riffs recién salidos del Congo y los ritmos latinos y africanos. El sonido del disco es homogeneo pero con una paleta de sonidos y melodías más amplia que en su predecesor, aunque el denominador común es intensidad contenida (interprétese no necesariamente peyorativo). El batería Christopher Thomson dice “creo que sonamos más a Vampire Weekend que en el primer disco” y es que supongo que en tu segundo disco crees que ya sabes lo que quieres. Lo importante es saberlo transmitir. Veremos como lo recibe la crítica y el público.

Horchata: Hace ya un tiempo te adelantamos el primer single del disco, y aunque pueda parecer que habla de la bebida valenciana de chufa realmente se refiere a un mejunje de Méjico. Allí grabaron parte del álbum en un parentesis de una gira que les llevo el pasado Marzo por tierras mejicanas.

horchata

Un estancia que les llenó de inspiración y donde conocieron al productor/dj Toy Selectah por el que posiblemente salgan esas brisas electrónicas que acarician algunos ritmos del disco, como en el bombo 4×4 de White sky que viene acompañado de un riff “made in Congo”  . Un riff marca de la casa que utilizan en California English junto a un auto tune en la voz de Koenig lo que denota la mayor producción del disco. En Taxi Cab sale a relucir de nuevo la electrónica contenida de la que hablabamos junto a la épica de un clavicordio

También en este álbum Vampire Weekend saca a pasear su espíritu más saltarín como en la casi ska Holiday, el teclado arpegiador de Run y su (ya) segundo single Cousins: riff post-punk y una linea de bajo constante que mantiene en ascuas el tema hasta el despiporre final con capanas navideñas.

Las tres últimas canciones del disco son las más tranquilas: ” este es más triste que el primero, un poco más sentimental” dice Ezra Koenig. Quizá por eso la recta final del disco flojea, porque Vampire Weekend no le tiene pilladas las medidas a la tristeza. “Giving up the gun tiene una producción que huele a mainstream, Diplomat´s son es reggaeton con vientos y un bombazo electrónico profundo junto con un ritmo casiotone (suena mucho mejor de lo que parece). Cierra el disco I Think Ur a Contra: una tranquila melodía gospel  acompañada de un colchón de sonido celestial que te recuerda que su segundo disco puede parecer no estar a la altura del primero pero que Vampire Weekend conservan esa luz que les hace brillar con luz propia y que te alegra las mañanas de cualquier mal día.

Tras la gran acogida que obtuvo “Visiter” (que no era su debut, pero como si lo fuera) a los Dodos les tocaba (es un decir) entregar un disco de confirmación y que llevara sus perlas de folk pop retorcidas a un lugar nuevo. Lo han hecho, pero quizás no como se esperaba, y la recepción de este “Time To Die”, con la muerte como tema de fondo, está siendo más bien fría. No lo merecen. Puede que en este nuevo asalto hayan limado asperezas y se hayan cercado a un tipo de composición más limpio y cláisco, pero 1) están en todo su derecho y 2) los resultados siguen siendo de nuevo altamente estimulantes. Además, demuestran no tener miedo a probar con nuevas fórumulas y esquemas, lo que siempre hay que aplaudir, incluso si no todos los cortes están a la misma altura.

Particularmente me tiene fascinado desde hace semanas el primer track del álbum, “Small Deaths”, que podría definir muy bien el tono general del álbum y el porque a los que les sangraban las manos de tanto aplaudir ahora fruncen el ceño: parsimoniosa y serena al inicio, se toma tdo el tiempo del mundo para ir creciendo poco a poco, sin explotar en una espiral de percusiones y guitarrazos furiosos como antaño, si no más bien buscando (y encontrando) un equilibrio pop que antes no tenían. Es una canción maravillosa. Y no es la única: “Fables” es un single redondo, “This Is A Business” (la más descontrolada y, por tanto, la más cercana a “Visiter”) es otra perla y “The Strums” toca la fibra sensible por su sencillez y por la manera de cantar, reconocible al instante, de Meric Long. Pronto estarán por aquí tocando las bondades de estos dos discos, y se avisa que perdérselos acarrea sanción.

Por Carles Novellas

Vic Chesnutt – “At The Cut”  (Constellation)

Chesnutt lleva casi veinte años con su guitarra y una voz apta para el lamento y capaz de condensar toda la tristeza del mundo, publicando discos de folk casi siempre tan oscuro como una noche nublada o un tunel sin tren. Pero resulta que hace un par de años, y por iniciativa del cineasta-documentalista Jem Cohen, empezó a juntarse con las hordas canadienses de Constellation: esto es, miembros de los combos post-rock de bonito mal rollo Godspeed You! Black Emperor y A Silver Mount Zion. A ellos se les unió Guy Picciotto, todo un ex-Fugazi, y el resultado, que podría haber salido horrorosamente espeso, cuajó en el magnífico “North Star Deserter”, en el que los esquivos canadienses se pusieron al servicio del frágil cantante de Athens en perfecta maniobra de simbiosis musical.

“At The Cut” repite fórmula y los resultados, como no, están a una altura de nuevo muy considerable. Solo por las dos canciones que abren y cierran este disco de largo y profundo recorrido ya valdría la pena tenerlo en cuenta y guardarlo con mucho mimo: “Coward” es folk épico bien entendido y que pone la gallina de piel (como decía aquel) con una facilidad pasmosa; mientras “Granny” es una joya folk desarmante y directa al estómago, muy propia del Chesnutt más inspirado. En medio, canciones notables, pespuntes de jazz, blues y country, todo muy bien puesto y muy sutil, funcionando como un verdadero equipo (ya sin Cohen a la producción; no se nota) y elevando sus respectivos mundos sonoros para deleite de la audiencia. O sea, nosotros, en este caso muy afortunados oyentes.

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Saliéndose por la tangente del minimal al uso (y casi que de cualquier otra escena, género o esquema establecido de la electrónica de ahora) Matías Aguayo, otro chileno afincado en Berlín, veterano desde los días de Closer Musik, entrega un disco que seduce por lo que es pero también por lo que no es. O lo que es lo mismo: un álbum insólito, que tiene una manera muy propia de hablarle al oyente y que tiene ese sabor tan peculiar porque se atreve sin miedo a utilizar la música latina como ingrediente básico del menú. Ahí están esas voces lanzando frases en nuestra (su) lengua (casi diría que canta “en chileno”, si me permiten el perogrullo; también utiliza el inglés con la misma naturalidad), frases que o bien no dicen nada en concreto o bien no se acaban de entender del todo, pero que aportan una frescura y una sensualidad que suele echarse mucho de menos en la cosa electrónica de principios de siglo, tan oscura, tan retraída, tan seria, tan “machote”.

Luego, además del tono, están los sonidos, también muy suyos, sobretodo en esa manera de construir los contrapuntos rítmicos como si tuviera un beatboxer al lado (¿lo tendrá de verdad? ¿hará el mismo esos ritmos tan extraños con sus privilegiadas cuerdas vocales?), lo que le da esa calidez tan especial, a la vez que le aporta profundidad y un poco más de calentura y humedad al asunto. Y después están los hits, o cuasi-hits: “Rollerskate” es el más claro, quizás también el más facilón (aunque ojo, mola, y mucho), pero también son hits a su manera “Menta Latte” o “Ritmo Juárez”, que es mi favorita por su rítmica desencajada y esas voces en idioma imposible de identificar. El amigo Aguayo (oyendo este disco a uno le apetecería irse a tomar unos sabrosones cocteles con el tipo) logra así un disco experimental pero altamente accesible, tremendamente seductor y (ojo al dato) muy original.

Desde que hace cosa de tres semanas ví en directo a Do Make Say Think en La 2 de Apolo, en Barcelona, y a raíz de una serie de discos que llevo escuchando compulsivamente durante todo este 2009, hay una pregunta que me da vueltas por la cabeza: ¿realmente el post rock está muerto?¿Realmente merecen tanta incomprensión discos tan válidos como “Beacons of Ancestorship” de los siempre efectivos Tortoise, o las últimas obras de Mogwai o el muy reciente “The Other Truths” de los ya mentados DMST, por citar alguno de numerosos ejemplos?

Dicen que “Rock Action”, “Lift your skinny fists…”, “Agaetis Byrjun” y si me apuras “The Earth is not a cold dead place” fueron las últimas obras que finiquitaron el género, y que ahora ya nadie escucha ni practica eso que se conoció como post rock, sólo los reaccionarios y los inmovilistas que no se enteran de que Animal Collective es la banda a seguir. Pues bien, yo a todos esos les digo, sin ninguna acritud: “Y un jamón”. Puede que el género haya pasado de moda, pero los grandes álbumes que este mismo año han sacado por ejemplo Mono, por ejemplo ASIWYFA, por ejemplo Giardini di Mirò, o por ejemplo el dúo que nos ocupa, aseguran que la llama sigue viva, que hay un público ávido de sonidos excitantes y nuevas hornadas de bandas capaces de poner patas arriba lo que, sí que es verdad, se convirtió en la aburrida tradición postrockera de subidas y bajadas y feedback a cascoporro. Bandas que mezclan tradiciones (math rock, épica, ambient, indietrónica, post metal) sin prejuicios y con muy buen ojo para enganchar a la audiencia.

Lymbyc Systym son dos hermanos de Brooklyn con otro largo en su haber (“Love your Abuser”, 07), un ep compartido con los muy recomendables This Will Destroy You (“Field Studies”, 08) y otro en solitario (“Carved By Glaciers”, 05). Son prácticamente desconocidos pero ya llevan un tiempito acercándose a una particular forma de hacer post rock. Al escucharlos por primera vez (rompe con fuerza “Trichromatic”), rastreamos en ellos una muy sana adscripción a la onda luminosa, algo etérea y jazzística de unos DMST, la afición de sus coetáneos Cougar por los sintetizadores, un gusto por la contundencia unido a la afición por construir bonitos paisajes de calma, y por lo general, un acertado uso de numerosos recursos, sintéticos o reales, para ampliar la paleta de matices de unas canciones que por lo general suenan compactas, fuertes, y muy ricas en melodías e ideas.

Con un pie en las atmósferas sutiles y líricas y los desarrollos largos (“Kubrick” o “Interiors” pueden recordar a los momentos más comatosos de Explosions in the Sky mezclados con las mejores melodías de Isan y unas pizcas de IDM guarruza) otro en las explosiones a pulmón (el subidón de “Bedroom Anthem” es de los que emocionan) y un muy sano amor por los arreglos electrónicos y la percusión de todo pelaje (a los primeros compases de “Ghost Clock”, maravillosa mezcla entre las atmósferas percusivas de, por ejemplo, un Clark, el aliento armónico y melodioso de unos Balmorhea menos polvorientos y la fuerza de la más reciente hornada post británica, me remito), sin miedo a los quiebros y al juegueteo con sonidos desconcertantes, al uso de cuerdas o vientos que le quedan que ni pintados a algunos momentos, y que a veces incluso a veces hacen pensar en unas Amiina pasadas de esteroides o a unos múm disparatados (como en la parte final y aviolinada de “Teddy”).

“Shutter Release” es ante todo un disco bonito, rico, sabroso, variado en texturas y que no aburre nunca. Tal vez se echen de menos momentazos (sólo dos o tres temas se quedan realmente dentro de primeras) pero si se le dedican varias escuchas, uno se da cuenta de hasta qué punto quedarse estancado en lo que hicieron los grandes de hace una década es perderse una gran cantera de creatividad y, sobre todo, felicidad sonora.

“Bedroom Anthem”

04 Bedroom Anthem

por Natxo Medina

Unos leves y rotos asomos arpegiados de sintetizador, pulsaciones cibernéticas, un ritmo que corretea, sonidos percutivos que no alcanzas a identificar, y de pronto una explosión, una bola de ruido que se expande como si de sucesivas oleadas de energía se tratase. Y por debajo las pulsaciones atonales siguen su curso bajo la lluvia de plomo, y se hacen más afilados, y la bola crece y se estanca y vuelve y desaparece, y el sonido te va golpeando los oídos, el cerebro, el cuerpo entero, y aparecen unas notas sueltas de un Glockenspiel salido de una pesadilla, y los sonidos entretejen una maraña de la que no puedes escapar. Estas perdido, inmerso en un paisaje nocturno, nevado, con bestias salvajes acechando a tu alrededor. No puedes verlas, pero sabes que están ahí. Todo eso y sólo han pasado dos minutos de disco. Ya no hay marcha atrás. Estás corriendo en medio de la noche y tienes frío y sólo puedes rezar que alguien te proteja. Así comienza “By The Throat”, una joya, un disco que desafía todas las leyes de la crítica musical y hace todas estas palabras inútiles.

Estirando las maravillas del hermético, enigmático y minimalista “Theory of Machines” (Bedroom Comunnity, 07), y llevándolas tan lejos como uno pueda imaginar, Frost ha creado un lugar peligroso y complejo, en el que los elementos característicos de su anterior disco (esas pulsaciones secas y rotundas, el uso de la distorsión como arma de doble filo (expansiva pero clínica, precisa, sin lugar para lo gratuito), la querencia un tanto postrockera por los crescendos) han sido mantenidas, mejoradas y ampliadas. Nuevos instrumentos (glockenspiel, gruñidos humanos, contrabajo doble, sonidos animales, música concreta) han enriquecido una paleta que parecía difícil de alterar sin perder una cierta sobriedad esencial para el discurso del australiano, multiplicando las posiblidades expresivas a la vez que conserva todo lo que hizo en el pasado tan reconocible y disfrutable.

“By The Throat” es un disco especial por todo ello y porque a pesar de ser ruidoso y complejísimo, utiliza sus recursos de manera que su discurso resulta totalmente adictivo, que nadie con un oído relativamente entrenado va a tener que hacer un ejercicio de paciencia para seguir la pista a unos temas que construyen una atrayente historia, oscura y salvaje, estimulante desde el minuto cero. Lo que en otros ha de intelectualizarse en Frost es puro disfrute de los sentidos y epidérmis de punta constante. Ya sea rudo y a degüello (como en “Killshot”, tema que abre el disco) o más melódico que nunca (“Híbakúsja” empieza como una pieza de Hauschka para acabar siendo arrollada por sonidos de bestia hambrienta) o minimalista avant la letre como en “O God Protect Me”, ya utilice trompetas, muros de distorsión, apuntes de IDM retorcida como en “Through the Roof of your mouth” o sonidos de osos en celo o lo que sea, todo tiene sentido, cada sonido está encajado con los demás para producir una emoción, para hipnotizar al oyente. Te hace daño, pero no puedes parar de escucharlo. Para conseguir crear una de las piezas más disfrutables, aguerridas, únicas y poderosas que nos ha dado el género en años. “Theory of Machines” era bueno, pero ante este hay que rendirse sin miramientos.

Tú sólo pulsa play. La maquinaria imparable que es “By The Throat” hará el resto.

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Moon Duo – Killing Time

Mucho se ha hablado del nuevo lanzamiento del chaval del pelo mutante. Y eso, normalmente no suele ser bueno para un disco. Que si colaboraciones con Alec Empire, que si autofinanciación a través del dinero de los fans, que si un proyecto de disco doble conceptual con el tema de la guerra como eje, que si luego no, que decido tirar un montón de canciones a la basura, que si ahora grabo unos recitados de Tilda Swinton, que si voy por ahí con una capa de plumas de hojalata y me vuelvo a teñir el pelo de rubio y me visto con los trajes más extravagantes de mi ya dilatada carrera como divo, etc. etc. Total, que todo apuntaba a una cierta desorientación en la carrera de un artista que, pese a su juventud rabiosa, siempre había parecido tener las cosas muy claras a la hora de hacer música.

Al final, entre tanta rumorología y cambio de peinado, para cuando finalmente “The Bachelor” (el disco doble serán dos discos, el próximo tardará todavía unos meses en publicarse) vio la luz, y aunque no había pasado mucho, sólo un par de años,  con respecto al último disco, la gente parecía estar por otras cosas. Y muchas críticas le dedicaron una mirada de reojo o fueron bastante sangrantes o como mucho correctas. Y en fin, no voy a ser yo el que diga que Wolf ha hecho una gran obra, pero sí que diré que desde luego, como siempre, ha facturado un disco que está a la altura de su excepcional trayectoria.

Y es que no hay quien tenga los huevos para, como él, combinar lírica victoriana, sintes, bases programadas, violines, flautines, pianos, música concreta y coros (sí, coros, los tiene cuadrados el Patrick) sin sentirse avergonzado. Mucho menos que eso, Wolf parece absolutamente orgulloso de su trabajo, y desde ese punto de vista, “The Bachelor” se convierte en todo un acto de afirmación de las propias creencias y aspiraciones artísticas. Por eso ha publicado el disco en su propio sello, sin presiones, como él ha querido. Por eso, en el terreno lírico encontramos numerosas referencias a la revolución personal, a la reinvención, el futuro, la muerte. Y en el terreno musical, unas canciones que vuelven la vista a los días de “Licanthropy”, su primer disco, en lo que se refiere al uso de la electrónica (mucha melodía sintética, unas cuantas canciones bailables, bases de plástico roto) y van recuperando poco lo aprendido en sus discos posteriores (la instrumentación trovadoresca y los aires etéreos de “Wind in the Wires”, el aliento pop y los medios tiempos pianísticos de “The Magic Position”).

Al final, con todo ello, Wolf arma una pieza que, como suele ser habitual en él, peca de una cierta irregularidad y, en este caso, es un poquito ampulosa, pero que guarda en su interior mucha más chicha de la que aparenta en una primera escucha. Temas como “Hard Times”, la adictiva “Oblivion”, “The Bachelor” con esos irresistibles aires de fiesta irlandesa, “Thickets”, “Theseus” o “The Messenger” (obvien las moderneces de “Vulture”, algún pasaje algo aburrido en el tramo final, y el pastiche infumable de “Battle”) bien merecen una oportunidad, pues son, ni más ni menos, que una muestra de donde se encuentra a día de hoy un artista hecho a sí mismo. Y eso, señores, es algo que cada vez va siendo más difícil de encontrar.

Patrick Wolf – “Oblivion”
Oblivion

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Blues Control – Tangier