Entrevista a Nonotak presentando ‘Shiro’ | Sónar 2017

Entrevistar al muy simpático dúo Nonotak -integrado por la ilustradora Noemi Schipfer y el arquitecto y músico Takami Nakamoto– es entender que en la dicotomía de la Luz y la Oscuridad, del Silencio y del Sonido, de la unión y de la separación, de la geometría y de la desmaterialización, de la efervescencia encarnada por Takami Nakamoto y de la tranquilidad por Noemi Schipfer, reside la esencia de la abstracción.

Juntos, crean unas instalaciones que conectan el espacio, la imagen y el sonido, en esa búsqueda constante de abstracción geométrica. Juntos en un triángulo (Late Speculation) o separados por medio de una cruz (Shiro), siguen siempre unidos en el movimiento de la luz y del sonido logrando mantener en vilo el público hasta el final.

A un día de presentarse en el Sonar Complex en la tarde del viernes, pudimos dialogar con el simpático dúo.

Bienvenidos Nonotak, gracias por aceptar la invitación de scannerFM. Desde la última vez que os vimos en el Institut français de Barcelone en 2015 dentro del marco del festival Mutek, ¿que es lo que vais a presentar al público en Sónar 2017?

Takami: Vamos a presentar un nuevo proyecto, Shiro, algo completamente nuevo para el público que nos vio en el 2015. Dos veces más de proyectores y dos veces más grandes en cuanto a talla. Contamos con más espacio en el escenario para actuar. También con una música más violenta y agresiva que Late Speculation, el proyecto que presentamos en el Instituto
Francés.

Seguimos jugando con los sonidos, la luz y las siluetas. Shiro es como una segunda parte de Late Speculation pero dentro de una configuración mucho más grande, que abarca cada esquina del escenario.

Noemi: Es verdad que dentro de nuestra performance queremos destacar las siluetas y jugamos mucho con ellas mientras que en Late Speculation lo hacíamos juntos dentro de un triángulo. Ahora estamos dentro de una cruz que nos permite separarnos uno del otro

Takami: Es como una división. La di-visión. (Risas)

Entonces partisteis de una unión en forma de triángulo (Late Speculation) hacia un alejamiento a través de la cruz (Shiro), pero seguís siempre unidos. Es una especie de unión distanciada…

Takami: estamos en el individualismo (Risas) tenemos más espacio que dentro de un triángulo sobretodo yo para expresarme en el escenario. Vengo de la escena metal así que me gusta moverme y expresarme en un escenario, me divierto en el escenario y disfruto de tener más espacio. Me sienta bien. Puedo ir hacia atrás y no tengo que pensar en si voy a estropear o no la estructura. Me comporto de otra forma sobre el escenario.

A nivel musical, ¿cómo os inspiráis?  ¿Cómo funciona el proceso de creación musical? ¿coparticipáis o colaboráis?

Takami: ¡El Hip Hop! (risas) La música la creo yo.

Me baso sobretodo de nuestra experiencia Live. Vimos que hay cosas que han funcionado súper bien. Sobre el escenario hemos disfrutado de algunos momentos y pensamos que en esos precisos instantes sería mejor marcar el ritmo de una forma o nos dijimos que en el show estaría bien que la gente sienta o esto o lo otro. Es como una narración, es decir, hay un aspecto del Live avanzado con una pequeña narración, un universo en el que proyectamos a la gente. La música es el ritmo, son cosas que la gente conoce. Es importante tener la música como soporte para hacer entrar a la gente en nuestro universo, a través de algo que ya conocen. Queremos que las visuales jueguen con el espacio de forma natural y a la vez les parezca algo un poco raro, porque es algo nuevo.

Nos hemos planteado la cuestión de cómo podriamos divertirnos aún más durante el directo, porque había partes que creiamos que eran demasiado experimentales o en las que la gente se dormía. Hay momentos que podíamos alargar; son esos momentos en los que nos divertimos verdaderamente.

¿Hay margen de improvisación, tanto a nivel de las visuales como de la música?

Takami: ¡Sí, sí, claro! No vamos a entrar demasiado en la parte técnica, pero trabajo con un Ableton de 5 pistas que son aplastadas como stems y cada pista tiene efectos individualizados; así que puedo decidir si concentrarme en la parte de la percusión o bien en las texturas y armonías. Cada cosa está separada. También puedo afectar al todo con el master. Y cada parte de la sesión tienen notas midis, que son enviadas hacia el ordenador de Noemi y ella puede decidir, desde su ordenador ,si cambiar el pitch, las notas o la velocidad. Como trabajamos mucho con estructuras que juegan con el espacio, una sola rotación o un solo cambio de speed o cambio de talla o de sentido afecta muchísimo en lo que la gente sentirá. Por ejemplo, cuando Noemi pasa las visuales de delante a atrás y las alterna con un botón, esto afecta mucho al Live. Si las visuales van delante desaparecemos y si las pone detrás de nosotros aparecemos. Noemi también puede decidir hacerme desaparecer durante todo el show (risas).

¡Claro! ¡Habéis elegido la Cruz!

Me imagino que, aunque estéis afincados en Paris, vuestra cultura japonesa os influencia a todos los niveles, así como tu background de arquitecto

Takami: Nos damos cuenta de que solo nos gustan artistas japoneses. Creo que es horrible decir eso, pero cada vez que encontramos un trabajo muy bueno y simple que nos gusta de forma incondicional, nos damos cuenta de que son japoneses. también en la arquitectura, pero menos. Los europeos y suizos son muy fuertes en arquitectura, pero a nivel de visuales estamos muy influenciados por la cultura minimalista japonesa.

¿Me podéis citar justamente algunos nombres de artistas japoneses que os hayan impactado?

¡La primera vez vi una instalación de Ryoji Ikeda. La primera vez que vi una suya en video, pensé: ¡es súper guay!  Me hizo entrar en la instalación directamente, que hablaba por ella misma. Es lo que más me ha gustado.

No he buscado ni la explicación de la instalación. Si un niño de 5 años lo entiende, lo entiende. Me di cuenta de que como instalación tiene mucho poder y después me cambió el chip. Empezamos a mirar las instalaciones que juegan con la percepción visual porque son las que más me impactaron. Es cuando nos dimos cuenta que los artistas japoneses no son los únicos, sino también muchos artistas de América Latina: Jesús Soto, Julio Le Parc.. Ellos son artistas originarios de la escena Op Art de los Años 60. Jugaban mucho con la percepción y nos dimos cuenta de que podíamos renovar lo que se hacía en ese momento con las nuevas herramientas de las que disponíamos. Formamos parte de una generación de artistas que tiene estas herramientas creadas.

Mad Mapper ya estaba creado para aprender el mapping. Las versiones 6 y 7 de Ableton ya existían, y hacía años que habían optimizado esas herramientas. Teníamos todos los instrumentos listos; lo que nos quedaba por hacer era ser fiel a nuestras ideas de partida y a una estética que queríamos trabajar. Esto es genial porque te concentras únicamente en el arte y la creación.

¿La arquitectura sigue influenciándote?

Cuando empecé a trabajar en una agencia de arquitectura, estaba muy triste porque me decían: «esto no lo puedes hacer porque está mal visto o esto no lo puedes hacer porque existen las siguientes reglas, o bien esto tampoco porque en París las A.V.F van a fastidiarnos».

¿Muchas limitaciones?

Sí, muchas limitaciones, demasiadas limitaciones. Pensé que todo eso no tenía nada que ver con mis experimentaciones en la escuela, donde tenía mucha más libertad. Eran experimentaciones y me di cuenta de que el formato que quería era más cercano a las instalaciones, porque trabajas durante meses y al cabo de poco tiempo ya sabes si te has equivocado o no. Aprendes algo, pasas a la próxima etapa y sigues adelante.

Pues menos mal que no estás en una agencia, que estáis aquí con nosotros como artistas. ¡Con muchas ganas de veros el viernes a las 20h! Recomendamos a los oyentes ir a verlos y, sobretodo, experimentar lo que acaban de escuchar.

Muchas gracias por la entrevista y, como se dice en Francia, “M..” para este viernes!

¡Sí, estamos muy felices de estar aquí! ¡Con mucho Gusto! ¡Gracias!